The Electric Intimacy of Alice Springs

Charlotte Rampling. Photo: © Alice Springs / Maconochie Photography

It’s a joy to contemplate the photography of June Newton, a.k.a. Alice Springs. The Australian-born Springs is the 95-year-old widow of the provocative fashion photographer Helmut Newton, but that’s the least interesting thing about her.

Under Springs’s gaze, world-famous actresses like Catherine Deneuve, Charlotte Rampling, and Audrey Hepburn look like people, not icons — conversational, intent, their eyes telegraphing depths beneath. Springs respects their beauty, but doesn’t accept it as a mask. There are shadows beneath Deneuve’s perfect features; Hepburn looks gorgeous, but her age.

Vivid personalities leap from Springs’s portraits, which depict not just her subjects but her dialogue with them. Early on, Springs decided to forgo studio portraits and photograph people on their own territory, peeling back the protective facades that prominent people — especially the famous and beautiful — often construct.

“She quickly realized that photographing people in situ, their situ, was more revealing than bringing them into the studio,” says her longtime agent, Tiggy Maconochie. The resultant photos, while artful, convey a feeling of frank exchange. “[Alice] does not use any tricks,” her husband Helmut wrote.

Anjelica Huston.

Springs’s earlier career as an actress in her native Australia surely informed her sensitivity to character and personality, but it was Helmut who introduced her to photography. The couple met in Melbourne in 1947, when Springs was 23, and were married a year later. She followed his career, first to London, then Paris for 20 years, and later Los Angeles and Monte Carlo, where she lives to this day.

It was in Paris that Springs launched her own photographic career, on a day in 1970 when Helmut was too sick with the flu to shoot a Gitanes cigarette ad. Perhaps sensing an opportunity, Springs convinced him to let her go in his place — and after a quick tutorial in how to operate his camera and light meter, she went off.

As it turned out, she was a natural. The photos Springs took that day, of a model smoking, launched her decades-long career in both commercial photography and portraiture. She adopted the professional pseudonym Alice Springs after a town in Australia (chosen by randomly sticking a pin into a map of her home country).

Grace Jones, Monte Carlo, 1987.

Throughout the ’70s, ’80s, and ’90s, Spring’s work documented the heady world she shared with Helmut: the upper reaches of European art, fashion, society, even royalty. Under her gaze, though, these iconic, powerful, and often gorgeous people look human and approachable.

Springs captured the “shock” of the individual — that electric current you feel when you really connect with someone. And she invited us to share those connections. Look at her portrait of Yves Saint Laurent model and muse Loulou de la Falaise and Nicole Wisniak, publisher of the magazine Egoiste, both lounging on a beach in white robes.

Loulou looks glamorous even in terrycloth, with stacked bangles, dark manicure, and cigarette. Nicole, hand covering her face (in keeping with her more “behind-the-scenes” profession), looks toward Loulou, and a third figure forms the triangle’s apex — the bottom half of a man wearing a similar beach robe. He strides toward Nicole, whose head moves toward Loulou, who gazes toward us. The circuit of energy moves through them, then out, inviting us to sit down in the sand.

Loulou de la Falaise and Nicole Wisniak.

Such a pattern occurs also in Springs’s portrait of the designer Kenzo, leaning lovingly toward his look-alike mother who gazes outward with similar warmth — affection streaming from son to mother, through Springs, to us. We see an oddly similar dynamic with artist Anna Mahler, who mirrors the downward gaze of her own sculpture (a giant face) which hangs above her.

Springs was especially sensitive to artists’ hands. Bella Freud stands resolute, hands clasped on hips with an odd intensity that punctuates her defiance. Betty Jackson holds a cane in one hand, while the other makes a fist–balancing fragility with strength. Sonia Rykiel’s graceful fingers cast shadows echoing the sculptural planes of her cheekbones. Diana Vreeland’sfascinating hands wrap around the complicated wrap she’s wearing. And a regal Vivienne Westwood has one black-and-white glove on, and clasps its mate upward, as if holding a third, ghostly hand.

Diana Vreeland.

Most startling are Spring’s unsentimental portraits of mothers and children, which upend expectations by refusing any trace of a beatified Madonna-and-Child motif. These women and children are fully separate, distinct beings.

Model and actress Brigitte Nielsen, in glamazon, not maternal mode, stares impassively, peculiarly hoisting her limp, sleeping infant to shoulder-height. Princess Caroline’s toddler son twists away from her as she stares straight ahead.

Some portraits are quite witty: Margot Werts, owner of the trend-setting L.A. boutique American Rag, holds her baby who looks like a miniature drunken sailor, cap askew. Artist Mirène Le Floch’s infant might be performing a modern dance contraction. And Tiziana Zenecla’s tiny son resembles a Hollywood gangster — with spiked hair and tough-guy stare.

Brigitte Nielsen, Beverly Hills, 1990.

A similar wit runs through Spring’s socialite portraits — Mica Ertegun merges into the painting behind her, to odd Surrealist effect. Judy Peabody holds up her pampered brown dachshunds breast-high, before a painting that depicts … a brown hunting dog.

Springs never sought the limelight, content to let her husband be the famous half of their couple. But right now seems like a perfect time to shine new light on her work. With a wave of American women flooding into the political arena at all levels, Hilma af Klint at the Guggenheim, and a Frida Kahlo exhibit opening at the Brooklyn Museum, we seem surrounded lately with striking examples of women’s talents and power. What better way to keep up this momentum than by drawing inspiration from Springs’s humane and insightful portraits of these complex, gifted, and grown-up women.

Nicole Kidman, Hollywood, 1988.
Anna Piaggi, La Gorra, 1996.
Catherine Deneuve.
Eva Whalen, Antibes, 1978.
Joan Juliet Buck, Paris.
Tina Chow.
Candice and Vanessa Vettier.
Mica Ertegun, New York, 1999.
Hanna Schygulla, Hollywood, 1981.
Bella Freud, London, 1995.
Margot Werts, San Francisco, 1985.
Judith Boortolomi, Marseille, 1988.
Jane Birkin.
Jenny Kapitän, Paris, 1983.
SAS Caroline de Monaco and Andréa, 1985.
Andrée Putman.
Vivienne Westwood, 1995.
Loulou de la Falaise, Paris, 1986.
Betty Jackson, London, 1995.
Marianne Williamson and Baby, Beverly Hills, 1991.
Anna Mahler, Los Angeles, 1986.
Lynn Wyatt.
Sonia Rykiel, Paris, 1980.
Mirène Le Floch and Iris, Paris, 1976.
Roybn Duke.
Tiziana Zanecla, 1989.
Niki de Saint Phalle.
Pat Buckley.
Source: THECUT.COM

Luigi Ghirri a Parigi

La mappa del territorio delle emozioni e della fotografia di Luigi Ghirri, illumina Arte Fiera 2019, la Parigi di sempre e il paesaggio contemporaneo con nuovi incanti

Luigi Ghirri, L'Île-Rousse, specchio, riflesso donna

LUIGI GHIRRI, L’ÎLE-ROUSSE, 1976, BIBLIOTHÈQUE NATIONALE DE FRANCE © EREDI LUIGI GHIRRI

Certi spazi è tutta una questione di come li abiti. Qui o nell’incantevole L’Île-Rousse francese, basta il riflesso di un frammento di realtà, ad accendere la memoria, la fantasia, il desiderio del paesaggio umano, da scoprire con altri occhi e la complicità della luce (e parecchia emozione). In questo caso, anche grazie alla fotografia di Luigi Ghirri che mappa il territorio delle emozioni, dalla sua Modena in minigonna e l’Italia rivoluzionata dagli anni Settanta, al paesaggio del mondo a perdita d’occhio che continuerà a cambiare, restando profondamente uguale a se stesso, a noi (al contemporaneo). Grazie al cartografo di un territorio sovversivo, quanto la sublime relazione che intrattiene tra quello che è interno ed esterno, come la luce che regala nuovo incanto alla Parigi di sempre (ma attraversata con i tacchi alti). La Ville Lumière innamorata della luce, pronta a lasciarsi rileggerere dalla sua geografia della visione e del paesaggio contemporaneo con The Map and the Territory. Una retrospettiva illuminante e itinerante, esposta al Museum Folkwang di Essen e al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia di Madrid, prima di arrivare in mostra alla Galleria nazionale del Jeu de Paume di Parigi (12 febbraio – 2 giugno 2019). Questo fine settimana anche ad Arte Fiera 2019con il suo interno italiano.

« Più che scattare fotografie, il mio intento era creare carte e mappe che fossero allo stesso tempo fotografie » – Luigi Ghirri

Da qui parte un nuovo viaggio, perché questa retrospettiva curata da James Lingwood, è la prima a lasciare l’Italia per concentrarsi su un decennio di profondo cambiamento per il mondo e la mappa del paesaggio della visione di Ghirri. Già profondamente consapevole di paesaggi di cartoneche hanno smarrito il confine con la finzione della pubblicità, o degli accessi di realtà di un paese dei balocchi, destinato a intraprendere un viaggio in Italiasenza precedenti.

« Cerco un punto di vista sul mondo esterno e una visione su un mondo più nascosto, interiore, di attenzione, di memorie spesso trascurate » – Luigi Ghirri

Negli anni Settanta la visione del paesaggio ghirriano inizia a stravolgere i luoghi comuni e gli stereotipi da cartolina, indugiando sul fascino delle piccole cose del quotidiano e gli orizzonti evanescenti del familiare. Quella dimensione poetica che abita le immagini, capace di spingersi oltre l’arcobaleno su una stradina di Alessandria, o i giochi in riva al mare di Rimini.

Luigi Ghirri, paesaggio, spiaggia di rimini
Luigi Ghirri, Lido di spina, 1974

© Eredi Luigi Ghirri
Luigi Ghirri, viaggi
Luigi Ghirri, Salzburg, 1977

Collection privée, Courtesy Matthew Marks Gallery © Eredi Luigi Ghirri
Luigi Ghirri, Modena, cartellone pubblicitario, coppia
Luigi Ghirri, Modena, 1971

Courtesy Matthew Marks Gallery © Eredi Luigi Ghirri

 

Questa grande retrospettiva riprende la cartografia della sua mostra Vera Fotografia, presentata nel 1979 al centro espositivo dell’Università di Parma, con un labirinto d’illusioni, e specchi che mostrano la verità. L’unica possibile per la fotografia. Quella di ogni sguardo.

Ogni frammento d’immagine continua il viaggio, partito con l’esplorazione dei codici della nostra rappresentazione della realtà, messi a fuoco tra le pagine di un Atlante (1972) geografico. Tra le pareti di casa e le pieghe dell’immaginario di un geometra dal temperamento visionario. Scomparso troppo presto (a quarantanove anni), mentre la sua geografia della visione e della fotografia, continua a illuminarci, senza risparmiare nuovi incanti al paesaggio contemporaneo.

« credo di aver appreso dall’arte concettuale la possibilità di partire dalle cose più semplici, dall’ovvio, per rivederle sotto un’altra luce » – Luigi Ghirri

Luigi Ghirri, Modena, minigonna
Luigi Ghirri, Modena, 1972

CSAC, Università di Parma © Eredi Luigi Ghirri
Luigi Ghirri
Luigi Ghirri, Brest, 1972

CSAC, Università di Parma © Eredi Luigi Ghirri
Luigi Ghirri, vestito donna
Luigi Ghirri, Carpi, 1973

CSAC, Università di Parma © Eredi Luigi Ghirri

Il paesaggio interiore aspetta solo di essere esplorato, sentito, ma chi questo weekend passa per la 43esima edizione della Fiera internazionale d’arte contemporanea di Bologna, più approfittare dell’emozione dei luoghi che lascia emergere l’identità e il senso all’abitare, in mostra con Luigi Ghirri. Interno italiano. Per l’occasione, sabato 2 febbraio, un percorso guidato dalla curatrice Elena Re, apre all’arte anche il nuovo ufficio di Jacobacci & Partners.

Luigi Ghirri, Modena, ogghi, sguardo
Luigi Ghirri, Modena, 1973
source: Marie Claire